La composición de la música de cine

La particularidad de Harmony

La armonía es la gramática de la música. Contiene en su esencia los fundamentos de la composición musical y la orquestación, al tiempo que permite su práctica sólo la de ¬ cubiertos y el desarrollo de la teoría de la música y la teoría de la música. Si la música se les debe enseñar sólo a través de una sola disciplina, es inevitable que se Harmony.

Una imagen frecuente la armonía se define como "la ciencia de la vertical. Esta definición es simplista e incompleta, porque la armonía es una disciplina estructurada en estrecha relación con el "contrapunto de" construcción melódica que se refleja Max.

Un resumen de las principales Occidental
Dos corrientes fundamentales dominan el panorama educativo de nuestra sensibilidad musical occidental. Un punto de vista académico, representado por la educación formal consiste en una línea que tiene su origen en la armonía tradicional. Se deriva de la música eclesiástica y alcanzó su máximo en la primera mitad del siglo XX, y Jazz Harmony.

Sus antecedentes culturales han creído durante mucho tiempo a muchos teóricos que existen diferencias e incompatibilidades entre estas dos corrientes. Que aún no han evolucionado en entornos culturales diversos y homogéneos, lo que ha creado una innegable complementarias.

Al pretender ignorar es la fuente de todos los malentendidos que han dañado cientos de miles de estudiantes de música. Ahora no podemos negar la riqueza interpuesto por la sinergia de estas dos corrientes.

Se produce principalmente en la producción de grandes compositores sinfónicos de la primera mitad del siglo XX, el cine y la canción popular en Occidente.

Además, el estudio y la práctica de traer una nueva luz en la comprensión de sí.

Sus diferencias metodológicas son la base de su riqueza y la complementariedad. Para los arreglos armonía tradicional derivados escalas, lo que permite la estructuración de la tonalidad y la modulación de la Armonía de Jazz, las líneas derivadas de los acuerdos, lo que facilita la improvisación.

La armonía tradicional depende estrechamente de la "horizontal", melodía, armonía, mientras que el jazz es esencialmente "vertical". Esta inspiración se encuentra en las grandes sinfonías del siglo XX. No vamos a ir tan lejos como para decir todavía que es debido a la creciente influencia de jazz, aunque esta hipótesis no está completamente excluida.

El sistema armónico tradicional ha permitido el surgimiento de las orquestas gigantes. Ciento veinte músicos son un número manejable. Esto ilustra el buen desarrollo de sus diseñadores han creado un sistema musical con el apoyo de modelos acústicos basada en un fundamento matemático.
Ningún otro sistema armónico y melódico como el Occidente nunca ha permitido la aparición de estos grandes melodías orquestas. De hecho, en cualquier sistema conocido, la capacidad armónica y tímbrica agotados muy rápidamente como el número de instrumentistas llegó a más de una docena.
Tradicional Harmony está diseñado para la flexibilidad y la independencia de los instrumentistas de interpretación. La escritura orquestal establece diferencias acústicas y rítmicas, sin pérdida de equilibrio de sonido.

Un grupo instrumental puede tener menos músicos que el número proporcionado por el compositor, su poder disminuye sin el conjunto orquestal pierde su coherencia. En tales casos, los espectadores pueden luego escuchar algo distinto a lo que fue proporcionada por el compositor, pero la construcción armónica, basada tanto en la vertical y horizontal conserva é equilibrio.
A pesar de las armonías están perdiendo su poder y el rendimiento vertical por el pequeño número de grupos dedicados a la votación, el oído está satisfecho, como Rimsky-Korsakov "por las buenas obras La voz horizontal.

Esta flexibilidad estructural y aceptar todas las posibilidades acústicas de la sala, todas las variaciones de la aplicación e instrumentistas por la misma razón, permite la existencia de grandes orquestas, sin los inconvenientes causados por el gran número de hablantes: la distancia entre los músicos y las diferencias de audiencia, los efectos de ocultación, el tiempo de reacción y la velocidad del sonido, que alteran las condiciones de escucha y puede afectar a la la calidad de la interpretación.

La realidad de las bandas de jazz es diferente. Su construcción vertical, no permite la coexistencia de las melodías independientes. Los votos por debajo de la voz líder, dependen de este último.
Las melodías de los votos segundo, tercero y cuarto, no tienen existencia. Ellos existen para complementar la armonía estricta. Las melodías exhibidos por estas voces son a menudo inconsistentes y no se "cuelgue" de la oreja, como en una orquestación clásica para compensar cualquier variación en el establecimiento.

Esto requiere la intervención de excelentes músicos tocan saber respecto a un establecimiento a la perfección. Tienen que escuchar con atención el uno al otro la creación de un todo coherente. Esto requiere más inversiones geográficamente cercanos. El propósito es crear el sonido perfecto apretado como si fuera el juego de un solo músico.

Cuando el mismo? Aplicar ambos coexisten las tecnologías, lo que permite? Obras de gran riqueza y una resonancia particular con algunos grandes compositores del siglo XX, el secreto.

La situación de la música asistida por ordenador.

El desarrollo de nuevas tecnologías ha hecho accesible al público en general con sofisticados instrumentos musicales en el principio de que el sintetizador. La disponibilidad de estos instrumentos polytimbriques creado nuevas vocaciones. Una nueva generación de músicos que surgieron desarrollado en dos corrientes.

Una primera tendencia actual por el lado lúdico de la informática y alentados por los modelos de belleza simplista conseguido ganar. Esto, por supuesto bajo la atenta mirada de los medios de comunicación.

Otra línea de músicos, conocimiento de la apertura que hace que las nuevas tecnologías, está ansioso de nuevos conocimientos. Lamentablemente, los educadores se esfuerzan por incorporar estas nuevas tendencias estéticas en la continuidad histórica y se sienten desconcertados por lo que ven como una amenaza para el buen gusto.

Es necesario crear un hombre enlace ¬ pedagógica como para establecer el vínculo entre la formación tradicional y nueva estética. Esto ayudaría a los nuevos diseñadores en lugar de abandonarlos a su suerte. De lo contrario corremos el riesgo de ampliación de la aparición de los artistas híbrido relegado a los dinosaurios de moda principios estéticos sobre los que nuestra música occidental.

Afortunadamente, el polytimbrique sintetizador computarizado despierta en un gran número de músicos jóvenes una idea de proyecto de ley de orquesta. El sintetizador es de alguna manera un competidor de la orquesta, incluyendo la música grabada, es en algunos aspectos a ser sus mejores elogios. Despierta vocaciones de orquesta. Estas vocaciones debe ser alentada.

Los problemas encontrados en la práctica que la pedagogía ¬ de la Armonía.

Hay tres conceptos teóricos en torno al cual gira ¬ l? De aprendizaje de la Armonía.

El compilador de concepto.
El compositor concepto.
El concepto empírico.

En la primera, la más conocida, que puede ser llamado un compilador o "Profesor de Armonía", nos detenemos y denunciamos los errores a pesar de su pedagógica popularidad y aceptación en el plan de estudios formal.
El más extendido en Francia la adhesión a este concepto es el de Dubois. A través de este método, los estudiantes aprenden una multitud de normas a menudo desconectados de lo que leen y escuchan todos los días como músico.

Muchas de las preguntas que se nos pide cada día por los estudiantes que expresaba su preocupación causada por estas contradicciones. El estudiante tiene la impresión de sufrir una serie de restricciones que atentan contra su espíritu creativo, en lugar de estimular la creatividad y el espíritu de la investigación.

Por otra parte, este tipo de método se explica cómo componer en el estilo de Bach o Mozart, teniendo en cuenta todo lo demás como "excepciones" justificadas por el genio de los grandes maestros. Este concepto se alienta la inacción y la felicidad. Aquellos que logran crear, después de haber sido entrenados por este concepto educativo, aunque los métodos no son, no por ellos.

En la dramatización, podemos decir que este concepto de formas? los profesores para formar la armonía? profesores de la armonía? y así sucesivamente, si rompe los impulsos creativos cuando el estudiante tiene más necesidad de aliento.

Preguntas más frecuentes por la práctica de este concepto.

¿Por qué octavas paralelas están prohibidas, mientras que en Mozart hay muchos? ¿Por qué prohibir las quintas paralelas, mientras que más tarde se les permitió, sin ninguna justificación? ¿Cómo explica la armonía tradicional de las funciones superiores introducido por los músicos de jazz en el siglo XX? ¿Por qué tanta La consagración de la primavera es uno? Implementar clave de la historia de la música, finalmente se graduó de la armonía, sin la comprensión?

Todos estos temas deben ser del dominio de profesor de Armonía, es profesor de Música de análisis y respuesta de acuerdo a su propia perspectiva como compositor. El método es empírico y el estudiante más tarde se convierte en un compositor de más o menos dependiendo del talento creativo y la apertura de las pruebas de profesor.

Otro concepto es más escalable que el compositor. En este tratados actuales son parte de Rimsky-Korsakov, Hindemith, Schömberg Joaquín Zamacois Vicente Persicetti, etc. Permiten una mayor creatividad y se basan principalmente en la experiencia personal de los escritores creativos y no en reglas fijas y directrices. Nosotros preferimos el concepto.

Nuestro enfoque metodológico refleja el pensamiento de los diseñadores que han logrado colocar en el profesorado. Se da prioridad a la creatividad de los estudiantes, mientras le guía a través de la evolución de la música de diferentes épocas.

Existen otros métodos empíricos no puede ser descrito como grave. Esto es a menudo una recolección oportunista de ingresos para la formación y la progresión de acordes. Este tipo de enfoque está dirigido a músicos ansiosos de teoría musical y, a menudo sin entrenamiento. Se trata más bien de la tradición oral. Contrariamente a lo que dice que no son una puerta de acceso a más estudios, pero que envían el músico para llevar a cabo el formato y termina muerto.

El ex diseñadores y especificadores floreciente cultura

Cuando los creadores, artistas, críticos y periodistas, en fin, todos aquellos que llamamos "personas influyentes de la cultura se aleja de la intervención tradicional de la tierra, y que la cultura viene a la ; su propio destino, es recuperado por la industria. La función tradicional del arte sufre.

El arte es más disciplina para enriquecer la mente, se convierte en productos de recreo y vacía de contenido. El artista hace más de expresar y dar forma a la sensibilidad de su generación, sino para cumplir con las especificaciones o industrialmente impuestas por su propia propia-censura, diseñado para halagar se acercó a la sensibilidad de los consumidores de entretenimiento artístico.

Las nuevas generaciones de artistas emergentes cuya principal preocupación es la fama fácil y la rentabilidad. Una nueva ideología de la hegemonía cultural y el formato de la mente sobre la base de la comercialización del arte, en sustitución del ideal democrático de la diversidad cultural. Hay artistas de talento totalmente inconsciente de su función social y el papel que podría desempeñar en el enriquecimiento cultural de nuestra civilización.
Esto no es exclusivo de nuestra situación actual en Europa en 2006, el arte siempre ha estado expuesta a este riesgo, ahora exacerbada por la globalización y el desarrollo de herramientas de comunicación.

No son, sin embargo, las manifestaciones y estilos musicales que se mueven desde el desarrollo de la sofisticación armónica o de cualquier investigación en este sentido. Somos respetuosos de la música en armonía "ingenuo", siempre que su simplicidad es la expresión cultural del folklore o el acuerdo resultado comunidad artística de un grupo social o urbano agricultor (por lo general acompañamientos compuestos de dos o tres acordes).
Estamos a menos cuando es el resultado de la pereza intelectual o una estrategia comercial diseñada para hacer más asequible el "producto comercial" de la música.

El enfoque metodológico que hemos desarrollado para enseñar a la Armonía, usted puede:

? Sistematizar el pensamiento armónico grandes compositores que han dejado sus creaciones en la historia de la música.
? Llenar la brecha entre la práctica de la música orquestal y la de poli-sintetizador tímbrica, es decir, la música asistida por ordenador
? Comprender y conciliar las principales corrientes armónicas que han dado forma a la creación musical del mundo occidental en toda su historia.
? Proporcionan puntos de referencia y los métodos de análisis para entender las ideas musicales contemporáneas, incluidos los liberados de las limitaciones establecidas por las normas y la armonía tradicional.
? Proporcionar al alumno una sólida formación en ciencia y tecnología de la armonía, la disciplina esencial de la música, para el desarrollo del pensamiento crítico, la manera de fomentar la investigación y la «cumplimiento de su potencial creativo.

Este enfoque ofrece a los músicos con los nuevos conocimientos tradicionales y armónica y orquesta moderna, mientras que el fomento del desarrollo de una actitud investigadora y creativa.

Nuestra principal preocupación es que estos jóvenes y educados, que participen en un desarrollo que se inscribe en la continuidad histórica de una estética probada por siglos de creación musical.

El autor invita a todos los profesionales y aficionados interesados a presentar, a fin de participar en la formación libre sobre la base de esas opiniones, a expensas de la autora, que tendrá como objetivo en la graduación, para escribir un tratado entre todos orientados composición de música para el cine.

Mario Litwin? Noviembre 2009
http://www.mariolitwin.com
litwin@mariolitwin.com

Programa General
Capítulo 1: El espectro de sonido. El espectro musical. Los 120 billetes y diez octavas del espectro musical. El C. Medio La gama expresiva. Melodía, armonía, ritmo. La notación musical.

Capítulo 2: Los acuerdos. Diez normas esenciales y la tenencia de la Armonía. El acuerdo de base. Un ajuste perfecto. El enfoque tradicional. El enfoque del concepto de lidia.

Capítulo 3: Escapadas de acuerdos fundamentales. El núcleo del desarrollo armónico e instrumental. Liners instrumental. Consideraciones para distinguir el núcleo de armónicos en la escritura instrumental.

Capítulo 4: Acuerdos de sesiones. Ejercicios. Análisis de los resultados de las obras por el siglo XVIII.

Capítulo 5: Acuerdos de sexto y cuarto. Acuerdos de sesiones. Ejercicios. Análisis de los resultados de las obras por el siglo XVIII.

Capítulo 6: Acuerdo séptima dominante. Acuerdos de sesiones. Ejercicios. Análisis de resultados en las obras de Bach y Haendel. Análisis de resultados en? Obras populares contemporáneas.

Capítulo 7: Acuerdo de sesiones del segundo grado. Análisis de resultados en las obras de Mozart y Beethoven. Análisis de resultados en? Obras populares contemporáneas. Ejercicios.

Capítulo 8: Acuerdo de sesiones del séptimo grado. Análisis de resultados en las obras de Bach. Ejercicios.

Capítulo 9: Modulación de pivote. Barrio grados tonales. Bach, Beethoven. Mozart.

Pasaban notas Capítulo 10:. Los retrasos y las notas de gracia. El enfoque mozartiano.

Capítulo 11: séptima enharmonic del acorde de séptima. Tonalidades a distancia. La modulación cromática. Planteamiento de Wagner. Chopin. Liszt. Análisis de resultados en las obras de arte y ejercicios inspirados por las maniobras de Wa gnérienne ¬.

Capítulo 12: Teoría del acompañamiento. Webern. Schubert. El acompañamiento en la música popular y folk. Ejercicios inspirado obras de Schubert y? Obras populares contemporáneas.

Los modos mayor y menor Capítulo 13:. Las viejas formas. El acuerdo ampliado de sesiones. El enfoque de Mozar tuyo ¬. El enfoque Beethoveniano. Evolución de la cuerda de la sexta mayor de Rimsky-Korsakov.

Capítulo 14: Los acordes de sesiones sobre los grados I, III, IV y VI. Desarrollo del concepto de lidia. Comple ¬ dad con la armonía tradicional.

Capítulo 15: Las funciones más: 9, 11, 13, 15, 17, 19, 21, 23. Funciones y colores. Notas agregó.

Capítulo 16: Los mercados y las progresiones armónicas. Marchas y la modulación diatónica. Diatónicas dominante y secundaria dominante. Los acuerdos de subrogación. Explicaciones de las funciones anteriores y las notas Ajou ¬ tes a la luz de la armonía tradicional. Análisis y ejercicios inspirados por obras de Gershwin.

Capítulo 17: Dual Tone. Stravinsky. Análisis y ejercicios sobre la consagración de la primavera y El pájaro de fuego.

Capítulo 18: el impresionismo. La escala de tonos. El acuerdo ampliado de sesiones. Debussy. Ravel. Jacques Ibert. Impresionismo americano. Charles Ives. Análisis y ejercicios de las obras inspiradas por Debussy.

Capítulo 19: La improvisación musical. La influencia del jazz en la música sinfónica. Otras corrientes. Honegger. Hindemith. Alban Berg. Sibelius. Shostakovich. Prokofiev. La escuela de Viena.

Capítulo 20: El post-romántico. El grupo de cinco. Korsakov. Mussorgsky. Balakirev. César Cui. Borodin.

Capítulo 21: El Jazz. Paralelamente Harmony. Bloques de armonización. Las escuelas en Nueva Orleáns. Escuela de Dixieland. La Escuela de Chicago. Escuelas en Nueva York. La Costa Oeste. Armonías del siglo XX.

Capítulo 22: La conciliación armonías tradicionales con sonidos electrónicos. Tramitación electrónica de la armonía. La orquestación electrónica. Procesamiento de sintetizador de orquesta mixta. El "Modo de fusión". Influencia de los parámetros acústicos y psicológica - de la percepción armónica acústica. Los rangos de exóticos.

Capítulo 23: La armonía en las cuerdas. La armonía en el bosque. La armonía en el bronce. Tratamiento de los coros armónicos.

Capítulo 24: Las directrices de la teoría jerárquica (que proporciona el autor, la preparación de documentos) para la estructuración de la secuencia musical. Tono. La serie de quintas. Cromatismo. La imitación melódica. Ritmo de imitación.

Capítulo 25: El ordenador como una herramienta para el modelado y la creación.

Fin del documento


Sobre el Autor :

Mario Litwin es un pianista, compositor y director de orquesta. Ex miembro del Consejo de Administración de la Unión de Compositores de música para películas, director de música de la Comisión de Investigación dramática y Delegado a la diversidad cultural a la Adric